जापानी पेंटिंग: प्राच्य चित्रकला की सभी सूक्ष्मताएँ। समकालीन जापानी कलाकारों की महानतम उकियो-ए कलाकार पेंटिंग

कला और परिरूप

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01.02.18 09:02

जापान में आज का कला परिदृश्य बहुत विविध और उत्तेजक है: उगते सूरज की भूमि के उस्तादों के कार्यों को देखकर, आप सोचेंगे कि आप किसी दूसरे ग्रह पर आ गए हैं! उन नवप्रवर्तकों का घर जिन्होंने वैश्विक स्तर पर उद्योग के परिदृश्य को बदल दिया है। यहां ताकाशी मुराकामी (जो आज अपना जन्मदिन मनाता है) के अविश्वसनीय प्राणियों से लेकर कुसामा के रंगीन ब्रह्मांड तक, 10 समकालीन जापानी कलाकारों और उनकी कृतियों की सूची दी गई है।

भविष्य की दुनिया से लेकर बिंदीदार नक्षत्रों तक: समकालीन जापानी कलाकार

ताकाशी मुराकामी: परंपरावादी और क्लासिक

आइए इस अवसर के नायक से शुरुआत करें! ताकाशी मुराकामी जापान के सबसे प्रतिष्ठित समकालीन कलाकारों में से एक हैं, जो पेंटिंग, बड़े पैमाने की मूर्तियों और फैशन कपड़ों पर काम कर रहे हैं। मुराकामी की शैली मंगा और एनीमे से प्रभावित है। वह सुपरफ्लैट आंदोलन के संस्थापक हैं, जो जापानी कलात्मक परंपराओं और देश की युद्धोत्तर संस्कृति का समर्थन करता है। मुराकामी ने अपने कई साथी समकालीनों को बढ़ावा दिया और आज हम उनमें से कुछ से मिलेंगे भी। ताकाशी मुराकामी के "उपसांस्कृतिक" कार्यों को फैशन और कला के कला बाजारों में प्रस्तुत किया जाता है। उनकी उत्तेजक माई लोनसम काउबॉय (1998) को 2008 में न्यूयॉर्क में सोथबीज़ में रिकॉर्ड 15.2 मिलियन डॉलर में बेचा गया था। मुराकामी ने विश्व प्रसिद्ध ब्रांड मार्क जैकब्स, लुई वुइटन और इस्से मियाके के साथ सहयोग किया है।

चुपचाप आशिमा और उसका असली ब्रह्मांड

कला उत्पादन कंपनी कैकई किकी और सुपरफ्लैट आंदोलन (दोनों ताकाशी मुराकामी द्वारा स्थापित) की सदस्य, चिचो आशिमा अपने काल्पनिक शहरी दृश्यों और अजीब पॉप प्राणियों के लिए जानी जाती हैं। कलाकार अलौकिक प्रकृति की पृष्ठभूमि में चित्रित राक्षसों, भूतों, युवा सुंदरियों के अवास्तविक सपने बनाता है। उनके काम आमतौर पर बड़े पैमाने पर होते हैं और कागज, चमड़े और प्लास्टिक पर मुद्रित होते हैं। 2006 में, इस समकालीन जापानी कलाकार ने लंदन में आर्ट ऑन द अंडरग्राउंड में भाग लिया। उन्होंने मंच के लिए लगातार 17 मेहराब बनाए - जादुई परिदृश्य धीरे-धीरे दिन से रात में, शहरी से ग्रामीण में बदल गया। यह चमत्कार ग्लूसेस्टर रोड ट्यूब स्टेशन पर हुआ।

चिहारू शिमा और अंतहीन धागे

एक अन्य कलाकार, चिहारू शियोटा, विशिष्ट स्थलों के लिए बड़े पैमाने पर दृश्य इंस्टॉलेशन पर काम करते हैं। उनका जन्म ओसाका में हुआ था, लेकिन अब वह जर्मनी - बर्लिन में रहती हैं। उनके काम के केंद्रीय विषय विस्मृति और स्मृति, सपने और वास्तविकता, अतीत और वर्तमान, और चिंता का टकराव भी हैं। चिहारू शियोटा की सबसे प्रसिद्ध कृतियाँ काले धागे के अभेद्य नेटवर्क हैं जो विभिन्न प्रकार की रोजमर्रा और व्यक्तिगत वस्तुओं को ढँक देते हैं, जैसे पुरानी कुर्सियाँ, एक शादी की पोशाक, एक जला हुआ पियानो। 2014 की गर्मियों में, शिओटा ने दान किए गए जूतों और बूटों (जिनकी संख्या 300 से अधिक थी) को लाल धागे के धागों से बांधा और उन्हें हुक पर लटका दिया। जर्मन राजधानी में चिहारू की पहली प्रदर्शनी 2016 में बर्लिन कला सप्ताह के दौरान हुई और इसने सनसनी मचा दी।

अरे अरकावा: हर जगह, कहीं नहीं

हेई अरकावा परिवर्तन की स्थिति, अस्थिरता की अवधि, जोखिम के तत्वों से प्रेरित है, और उनकी स्थापनाएं अक्सर दोस्ती और टीम वर्क के विषयों का प्रतीक हैं। समकालीन जापानी कलाकार का श्रेय प्रदर्शनात्मक, अनिश्चित "हर जगह, लेकिन कहीं नहीं" द्वारा परिभाषित किया गया है। उनकी रचनाएँ अप्रत्याशित स्थानों पर सामने आती हैं। 2013 में, अरकावा के कार्यों को वेनिस बिएननेल और मोरी म्यूजियम ऑफ आर्ट (टोक्यो) में जापानी समकालीन कला की प्रदर्शनी में प्रदर्शित किया गया था। इंस्टॉलेशन हवाईयन प्रेजेंस (2014) न्यूयॉर्क कलाकार कैरिसा रोड्रिग्ज के सहयोग से था और व्हिटनी द्विवार्षिक में शामिल किया गया था। इसके अलावा 2014 में, अराकावा और उनके भाई टोमू ने यूनाइटेड ब्रदर्स नामक जोड़ी के रूप में प्रदर्शन करते हुए, फ़्रीज़ लंदन के आगंतुकों को "रेडियोधर्मी" फुकुशिमा डेकोन रूट सब्जियों के साथ उनके "काम" "द दिस सूप टेस्ट एम्बिवलेंट" की पेशकश की।

कोकी तनाका: रिश्ते और दोहराव

2015 में, कोकी तनाका को "वर्ष के कलाकार" के रूप में मान्यता दी गई थी। तनाका रचनात्मकता और कल्पना के साझा अनुभव की खोज करता है, परियोजना प्रतिभागियों के बीच आदान-प्रदान को प्रोत्साहित करता है, और सहयोग के नए नियमों की वकालत करता है। 2013 वेनिस बिएननेल में जापानी मंडप में इसकी स्थापना में वस्तुओं के वीडियो शामिल थे जिन्होंने अंतरिक्ष को कलात्मक आदान-प्रदान के लिए एक मंच में बदल दिया। कोकी तनाका (उनके पूरे नाम अभिनेता के साथ भ्रमित न हों) की स्थापनाएं वस्तुओं और कार्यों के बीच संबंध को दर्शाती हैं, उदाहरण के लिए, वीडियो में सामान्य वस्तुओं के साथ किए गए सरल इशारों की रिकॉर्डिंग शामिल है (चाकू से सब्जियां काटना, बीयर को एक गिलास में डाला जाना) , छाता खोलना)। कुछ भी महत्वपूर्ण नहीं होता है, लेकिन जुनूनी दोहराव और छोटी-छोटी बातों पर ध्यान दर्शकों को सांसारिक चीजों की सराहना करने पर मजबूर कर देता है।

मारिको मोरी और सुव्यवस्थित आकार

एक अन्य समकालीन जापानी कलाकार, मारिको मोरी, वीडियो, तस्वीरों और वस्तुओं को मिलाकर मल्टीमीडिया वस्तुओं को "संजोती" हैं। वह एक न्यूनतम भविष्यवादी दृष्टि और आकर्षक अतियथार्थवादी रूपों की विशेषता रखती है। मोरी के काम में एक आवर्ती विषय पश्चिमी संस्कृति के साथ पश्चिमी किंवदंती का मेल है। 2010 में, मैरिको ने फाऊ फाउंडेशन की स्थापना की, जो एक शैक्षिक सांस्कृतिक गैर-लाभकारी संगठन है, जिसके लिए उन्होंने छह बसे हुए महाद्वीपों का सम्मान करते हुए कला प्रतिष्ठानों की एक श्रृंखला बनाई। हाल ही में, फाउंडेशन की स्थायी स्थापना "रिंग: वन विद नेचर" रियो डी जनेरियो के पास रेसेंडे में एक सुरम्य झरने के ऊपर बनाई गई थी।

रयोजी इकेदा: ध्वनि और वीडियो संश्लेषण

रयोजी इकेदा एक नए मीडिया कलाकार और संगीतकार हैं, जिनका काम मुख्य रूप से विभिन्न "कच्ची" अवस्थाओं में ध्वनि से संबंधित है, साइन तरंगों से लेकर मानव श्रवण के किनारे पर आवृत्तियों का उपयोग करके शोर तक। उनके इमर्सिव इंस्टॉलेशन में कंप्यूटर-जनित ध्वनियाँ शामिल हैं जिन्हें दृश्य रूप से वीडियो प्रक्षेपण या डिजिटल पैटर्न में बदल दिया जाता है। इकेदा की दृश्य-श्रव्य कला पैमाने, प्रकाश, छाया, आयतन, इलेक्ट्रॉनिक ध्वनि और लय का उपयोग करती है। कलाकार की प्रसिद्ध परीक्षण सुविधा में पांच प्रोजेक्टर शामिल हैं जो 28 मीटर लंबे और 8 मीटर चौड़े क्षेत्र को रोशन करते हैं। सेटअप डेटा (पाठ, ध्वनि, फ़ोटो और फिल्में) को बारकोड और एक और शून्य के बाइनरी पैटर्न में परिवर्तित करता है।

तात्सुओ मियाजिमा और एलईडी काउंटर

समकालीन जापानी मूर्तिकार और इंस्टॉलेशन कलाकार तात्सुओ मियाजिमा अपनी कला में विद्युत सर्किट, वीडियो, कंप्यूटर और अन्य गैजेट का उपयोग करते हैं। मियाजिमा की मूल अवधारणाएँ मानवतावादी विचारों और बौद्ध शिक्षाओं से प्रेरित हैं। उनके इंस्टॉलेशन में एलईडी काउंटर 1 से 9 तक पुनरावृत्ति में लगातार चमकते हैं, जो जीवन से मृत्यु तक की यात्रा का प्रतीक है, लेकिन अंतिमता से बचते हैं जो 0 द्वारा दर्शाया जाता है (तात्सुओ के काम में शून्य कभी दिखाई नहीं देता है)। ग्रिड, टावरों और आरेखों में सर्वव्यापी संख्याएं निरंतरता, अनंत काल, कनेक्शन और समय और स्थान के प्रवाह के विचारों में मियाजिमा की रुचि को व्यक्त करती हैं। हाल ही में, मियाजिमा का "एरो ऑफ़ टाइम" उद्घाटन प्रदर्शनी "अनफिनिश्ड थॉट्स विज़िबल इन न्यूयॉर्क" में दिखाया गया था।

नारा योशिमोटो और दुष्ट बच्चे

नारा योशिमोटो बच्चों और कुत्तों की पेंटिंग, मूर्तियां और चित्र बनाते हैं - ऐसे विषय जो बचपन की ऊब और हताशा की भावनाओं और बच्चों में स्वाभाविक रूप से आने वाली भयंकर स्वतंत्रता को दर्शाते हैं। योशिमोटो के काम का सौंदर्य पारंपरिक पुस्तक चित्रण, बेचैन तनाव और पंक रॉक के प्रति कलाकार के प्रेम का मिश्रण है। 2011 में, न्यूयॉर्क में एशिया सोसाइटी संग्रहालय ने योशिमोतो की पहली एकल प्रदर्शनी की मेजबानी की, जिसका शीर्षक था "योशितोमो नारा: नोबडीज़ फ़ूल", जिसमें समकालीन जापानी कलाकार के 20 साल के करियर को शामिल किया गया था। प्रदर्शन वैश्विक युवा उपसंस्कृति और उनके अलगाव से निकटता से संबंधित थे और विरोध।

यायोई कुसमा और अंतरिक्ष विचित्र रूपों में विकसित हो रहे हैं

यायोई कुसामा की अद्भुत रचनात्मक जीवनी सात दशकों तक चलती है। इस समय के दौरान, अद्भुत जापानी महिला पेंटिंग, ग्राफिक्स, कोलाज, मूर्तिकला, सिनेमा, उत्कीर्णन, पर्यावरण कला, स्थापना, साथ ही साहित्य, फैशन और कपड़े डिजाइन के क्षेत्रों का अध्ययन करने में कामयाब रही। कुसमा ने डॉट आर्ट की एक बहुत ही विशिष्ट शैली विकसित की जो उनका ट्रेडमार्क बन गई है। 88 वर्षीय कुसामा के काम में चित्रित भ्रामक दृश्य - जहां दुनिया विशाल, विचित्र रूपों में ढकी हुई दिखाई देती है - वह बचपन से अनुभव की गई मतिभ्रम का परिणाम है। रंगीन बिंदुओं और उनके समूहों को प्रतिबिंबित करने वाले "अनंत" दर्पणों वाले कमरे पहचानने योग्य हैं और इन्हें किसी अन्य चीज़ के साथ भ्रमित नहीं किया जा सकता है।

बहुत समृद्ध इतिहास है; इसकी परंपरा विशाल है, दुनिया में जापान की अनूठी स्थिति जापानी कलाकारों की प्रमुख शैलियों और तकनीकों को बहुत प्रभावित करती है। यह एक सर्वविदित तथ्य है कि जापान कई शताब्दियों से काफी अलग-थलग रहा है, न केवल भूगोल के कारण, बल्कि अलगाव की प्रमुख जापानी सांस्कृतिक प्रवृत्ति के कारण भी जिसने देश के इतिहास को चिह्नित किया है। सदियों के दौरान जिसे हम "जापानी सभ्यता" कह सकते हैं, संस्कृति और कला बाकी दुनिया से अलग विकसित हुई। और यह जापानी चित्रकला के अभ्यास में भी ध्यान देने योग्य है। उदाहरण के लिए, निहोंगा पेंटिंग जापानी चित्रकला अभ्यास के मुख्य कार्यों में से एक हैं। यह एक हजार साल से अधिक की परंपरा पर आधारित है, और पेंटिंग आमतौर पर वाशी (जापानी कागज) या एगिना (रेशम) पर ब्रश के साथ बनाई जाती हैं।

हालाँकि, जापानी कला और चित्रकला विदेशी कलात्मक प्रथाओं से प्रभावित रही है। सबसे पहले, यह 16वीं शताब्दी में चीनी कला और चीनी चित्रकला और चीनी कला परंपरा थी, जो कई पहलुओं में विशेष रूप से प्रभावशाली थी। 17वीं शताब्दी तक, जापानी चित्रकला भी पश्चिमी परंपराओं से प्रभावित थी। विशेष रूप से, युद्ध-पूर्व काल के दौरान, जो 1868 से 1945 तक चला, जापानी चित्रकला प्रभाववाद और यूरोपीय रूमानियत से प्रभावित थी। साथ ही, नए यूरोपीय कलात्मक आंदोलन भी जापानी कलात्मक तकनीकों से काफी प्रभावित हुए। कला इतिहास में, इस प्रभाव को "जापानीवाद" कहा जाता है, और यह प्रभाववादियों, क्यूबिस्टों और आधुनिकतावाद से जुड़े कलाकारों के लिए विशेष रूप से महत्वपूर्ण है।

जापानी चित्रकला के लंबे इतिहास को कई परंपराओं के संश्लेषण के रूप में देखा जा सकता है जो एक मान्यता प्राप्त जापानी सौंदर्यशास्त्र के कुछ हिस्सों का निर्माण करते हैं। सबसे पहले, बौद्ध कला और चित्रकला पद्धतियों, साथ ही धार्मिक चित्रकला ने जापानी चित्रकला के सौंदर्यशास्त्र पर एक महत्वपूर्ण छाप छोड़ी; चीनी साहित्यिक चित्रकला की परंपरा में परिदृश्यों की जल-स्याही पेंटिंग कई प्रसिद्ध जापानी चित्रों में मान्यता प्राप्त एक और महत्वपूर्ण तत्व है; जानवरों और पौधों, विशेष रूप से पक्षियों और फूलों की पेंटिंग, आमतौर पर जापानी रचनाओं से जुड़ी होती हैं, जैसे कि परिदृश्य और रोजमर्रा की जिंदगी के दृश्य। अंततः, प्राचीन जापान के दर्शन और संस्कृति से सुंदरता के बारे में प्राचीन विचारों का जापानी चित्रकला पर बहुत प्रभाव पड़ा। वाबी, जिसका अर्थ है क्षणिक और कठोर सुंदरता, साबी (प्राकृतिक पेटिना और उम्र बढ़ने की सुंदरता), और युगेन (गहरी कृपा और सूक्ष्मता) जापानी चित्रकला के अभ्यास में आदर्शों को प्रभावित करना जारी रखते हैं।

अंत में, यदि हम दस सबसे प्रसिद्ध जापानी उत्कृष्ट कृतियों को चुनने पर ध्यान केंद्रित करते हैं, तो हमें उकियो-ए का उल्लेख करना होगा, जो जापान में कला की सबसे लोकप्रिय शैलियों में से एक है, भले ही यह प्रिंटमेकिंग से संबंधित है। यह 17वीं से 19वीं शताब्दी तक जापानी कला पर हावी रहा, इस शैली से संबंधित कलाकारों ने सुंदर लड़कियों, काबुकी अभिनेताओं और सूमो पहलवानों के साथ-साथ इतिहास और लोक कथाओं, यात्रा दृश्यों और परिदृश्यों जैसे विषयों पर वुडकट्स और पेंटिंग बनाईं। और जीव-जंतु और यहां तक कि प्रेमकाव्य भी।

कलात्मक परंपराओं से सर्वश्रेष्ठ चित्रों की सूची संकलित करना हमेशा कठिन होता है। कई अद्भुत कार्यों को बाहर रखा जाएगा; हालाँकि, इस सूची में दुनिया की दस सबसे अधिक पहचानी जाने वाली जापानी पेंटिंग शामिल हैं। यह लेख केवल 19वीं शताब्दी से लेकर आज तक बनाई गई पेंटिंग्स प्रस्तुत करेगा।

जापानी चित्रकला का इतिहास अत्यंत समृद्ध है। सदियों से, जापानी कलाकारों ने बड़ी संख्या में अनूठी तकनीकें और शैलियाँ विकसित की हैं जो कला की दुनिया में जापान का सबसे मूल्यवान योगदान हैं। इन्हीं तकनीकों में से एक है सुमी-ई। सुमी-ए का शाब्दिक अर्थ है "स्याही चित्रण" और यह ब्रश से खींची गई रचनाओं की एक दुर्लभ सुंदरता बनाने के लिए सुलेख और स्याही पेंटिंग को जोड़ती है। यह सुंदरता विरोधाभासी है - प्राचीन फिर भी आधुनिक, सरल फिर भी जटिल, साहसी फिर भी दबी हुई, निस्संदेह ज़ेन बौद्ध धर्म में कला के आध्यात्मिक आधार को दर्शाती है। बौद्ध पुजारियों ने छठी शताब्दी में चीन से जापान में ठोस स्याही ब्लॉक और बांस ब्रश लाए, और पिछली 14 शताब्दियों में जापान ने स्याही चित्रकला की एक समृद्ध विरासत विकसित की है।

नीचे स्क्रॉल करें और 10 जापानी पेंटिंग मास्टरपीस देखें

1. कत्सुशिका होकुसाई "मछुआरे की पत्नी का सपना"

सबसे अधिक पहचानी जाने वाली जापानी पेंटिंग में से एक है "द ड्रीम ऑफ द फिशरमैन्स वाइफ।" इसे 1814 में प्रसिद्ध कलाकार होकुसाई ने चित्रित किया था। सख्त परिभाषा के अनुसार, होकुसाई के इस अद्भुत काम को एक पेंटिंग नहीं माना जा सकता है, क्योंकि यह यंग पाइंस (किनो नो कोमात्सु) पुस्तक से उकियो-ए शैली का एक वुडकट है, जो तीन खंडों वाली शुंग पुस्तक है। रचना में एक युवा अमा गोताखोर को ऑक्टोपस की एक जोड़ी के साथ यौन संबंध बनाते हुए दिखाया गया है। यह छवि 19वीं और 20वीं सदी में बहुत प्रभावशाली थी। इस काम ने फेलिसियन रोप्स, ऑगस्टे रोडिन, लुईस ऑकॉक, फर्नांड नोपफ और पाब्लो पिकासो जैसे बाद के कलाकारों को प्रभावित किया।

2. टेसाई टोमिओका "अबे नो नाकामारो चाँद को देखते हुए एक पुरानी कविता लिखता है"

टेसाई टोमिओका एक प्रसिद्ध जापानी कलाकार और सुलेखक का छद्म नाम है। उन्हें बंजिंग परंपरा का अंतिम प्रमुख कलाकार और निहोंगा शैली के पहले प्रमुख कलाकारों में से एक माना जाता है। बंजिंगा जापानी चित्रकला का एक स्कूल था जो ईदो युग के अंत में उन कलाकारों के बीच विकसित हुआ जो खुद को साहित्यकार या बुद्धिजीवी मानते थे। टेस्साया सहित इनमें से प्रत्येक कलाकार ने अपनी शैली और तकनीक विकसित की, लेकिन वे सभी चीनी कला और संस्कृति के महान प्रशंसक थे।

3. फुजीशिमा ताकेजी "पूर्वी सागर पर सूर्योदय"

फुजीशिमा ताकेजी एक जापानी कलाकार थे जो 19वीं सदी के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत में योग (पश्चिमी शैली) कला आंदोलन में स्वच्छंदतावाद और प्रभाववाद विकसित करने में अपने काम के लिए जाने जाते थे। 1905 में, उन्होंने फ्रांस की यात्रा की, जहां वे उस समय के फ्रांसीसी आंदोलनों, विशेष रूप से प्रभाववाद से प्रभावित थे, जैसा कि उनकी पेंटिंग सनराइज ओवर द ईस्टर्न सी में देखा जा सकता है, जिसे 1932 में चित्रित किया गया था।

4. कितागावा उतामारो "दस प्रकार की महिला चेहरे, सत्तारूढ़ सुंदरियों का एक संग्रह"

कितागावा उतामारो एक प्रमुख जापानी कलाकार थे जिनका जन्म 1753 में हुआ था और उनकी मृत्यु 1806 में हुई थी। वह निश्चित रूप से "महिलाओं के चेहरों के दस प्रकार" नामक श्रृंखला के लिए जाने जाते हैं। प्रमुख सुंदरियों का एक संग्रह, शास्त्रीय कविता के महान प्रेम प्रसंग" (कभी-कभी इसे "प्रेम में महिलाएं" भी कहा जाता है, जिसमें अलग-अलग उत्कीर्णन "नग्न प्रेम" और "विचारशील प्रेम" शामिल हैं)। वह उकियो-ए वुडकट शैली से संबंधित सबसे महत्वपूर्ण कलाकारों में से एक हैं।

5. कवानाबे क्योसाई "टाइगर"

कवानाबे क्योसाई ईदो काल के सबसे प्रसिद्ध जापानी कलाकारों में से एक थे। उनकी कला 16वीं सदी के कानो स्कूल के चित्रकार तोहाकु के काम से प्रभावित थी, जो अपने समय के एकमात्र कलाकार थे जिन्होंने पाउडर वाले सोने की नाजुक पृष्ठभूमि पर स्क्रीन को पूरी तरह से स्याही से चित्रित किया था। हालांकि एक कार्टूनिस्ट के रूप में जाने जाने वाले, क्योसाई ने 19वीं सदी के जापानी कला इतिहास में कुछ सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग बनाईं। "टाइगर" उन चित्रों में से एक है जिसे बनाने के लिए क्योसाई ने जल रंग और स्याही का उपयोग किया था।

6. हिरोशी योशिदा "कावागुची झील से फ़ूजी"

हिरोशी योशिदा को शिन-हंगा शैली की प्रमुख शख्सियतों में से एक के रूप में जाना जाता है (शिन-हंगा 20वीं सदी की शुरुआत में ताइशो और शोवा काल के दौरान जापान में एक कलात्मक आंदोलन है, जिसने उकियो-ए की पारंपरिक कला को पुनर्जीवित किया, जिसने इसकी जड़ें ईदो और मीजी काल (XVII - XIX सदियों)) में थीं। उन्होंने पश्चिमी तेल चित्रकला की परंपरा में प्रशिक्षण लिया, जिसे मीजी काल के दौरान जापान से अपनाया गया था।

7. ताकाशी मुराकामी "727"

ताकाशी मुराकामी संभवतः हमारे समय के सबसे लोकप्रिय जापानी कलाकार हैं। उनकी कलाकृतियाँ प्रमुख नीलामियों में भारी कीमत पर बिकती हैं, और उनका काम पहले से ही न केवल जापान में, बल्कि विदेशों में भी कलाकारों की नई पीढ़ियों को प्रेरित कर रहा है। मुराकामी की कला में कई माध्यम शामिल हैं और आमतौर पर इसे सुपरफ्लैट के रूप में वर्णित किया गया है। उनका काम जापानी पारंपरिक और लोकप्रिय संस्कृति के रूपांकनों को शामिल करते हुए रंग के उपयोग के लिए जाना जाता है। उनके चित्रों की सामग्री को अक्सर "प्यारा", "साइकेडेलिक" या "व्यंग्यात्मक" के रूप में वर्णित किया जाता है।

8. यायोई कुसामा "कद्दू"

याओई कुसामा भी सबसे प्रसिद्ध जापानी कलाकारों में से एक हैं। वह पेंटिंग, कोलाज, स्कैट मूर्तिकला, प्रदर्शन, पर्यावरण कला और स्थापना सहित विभिन्न प्रकार के मीडिया में रचना करती है, जिनमें से अधिकांश साइकेडेलिक रंग, पुनरावृत्ति और पैटर्न में उसकी विषयगत रुचि को प्रदर्शित करते हैं। इस महान कलाकार की सबसे प्रसिद्ध श्रृंखला में से एक "कद्दू" श्रृंखला है। पोल्का डॉट पैटर्न में कवर किया गया, चमकीले पीले रंग का एक नियमित कद्दू एक नेट पृष्ठभूमि के खिलाफ प्रस्तुत किया गया है। सामूहिक रूप से, ऐसे सभी तत्व एक दृश्य भाषा बनाते हैं जो कलाकार की शैली के लिए बिल्कुल सही है, और दशकों के श्रमसाध्य उत्पादन और पुनरुत्पादन के दौरान विकसित और परिष्कृत किया गया है।

9. तेनम्योया हिसाशी "जापानी स्पिरिट नंबर 14"

तेनम्योया हिसाशी एक समकालीन जापानी कलाकार हैं जो अपनी नव-निहोंगा पेंटिंग के लिए जाने जाते हैं। उन्होंने जापानी चित्रकला की पुरानी परंपरा के पुनरुद्धार में भाग लिया, जो आधुनिक जापानी चित्रकला के बिल्कुल विपरीत है। 2000 में, उन्होंने अपनी नई बुटौहा शैली भी बनाई, जो उनके चित्रों के माध्यम से आधिकारिक कला प्रणाली के प्रति एक मजबूत दृष्टिकोण प्रदर्शित करती है। "जापानी स्पिरिट नंबर 14" को "बसारा" कलात्मक योजना के हिस्से के रूप में बनाया गया था, जिसकी व्याख्या जापानी संस्कृति में युद्धरत राज्यों की अवधि के दौरान निचले अभिजात वर्ग के विद्रोही व्यवहार के रूप में की गई थी, ताकि सत्ता में बैठे लोगों को एक आदर्श जीवन शैली प्राप्त करने की क्षमता से वंचित किया जा सके। भव्य और विलासितापूर्ण कपड़े पहनना और स्वतंत्र रूप से कार्य करना, जो उनके सामाजिक वर्ग के अनुरूप नहीं था।

10. कत्सुशिका होकुसाई "द ग्रेट वेव ऑफ कनागावा"

अंत में, द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा संभवतः अब तक चित्रित सबसे अधिक पहचानी जाने वाली जापानी पेंटिंग है। यह वास्तव में जापान में बनाई गई कला का सबसे प्रसिद्ध नमूना है। इसमें कनागावा प्रान्त के तट पर नौकाओं को खतरे में डालने वाली विशाल लहरों को दर्शाया गया है। हालाँकि कभी-कभी सुनामी समझ लिया जाता है, जैसा कि पेंटिंग के शीर्षक से पता चलता है, लहर संभवतः असामान्य रूप से ऊंची है। यह पेंटिंग उकियो-ए परंपरा में बनाई गई है।

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एक कलाकार के रूप में उनके करियर का आधार क्या बना, इसका जवाब शायद ही यायोई कुसामा दे सकेंगी। वह 87 साल की हैं, उनकी कला का लोहा पूरी दुनिया में माना जाता है। जल्द ही अमेरिका और जापान में उनके काम की प्रमुख प्रदर्शनियाँ होंगी, लेकिन उन्होंने अभी तक दुनिया को सब कुछ नहीं बताया है। “यह अभी भी अपने रास्ते पर है। कुसमा कहती हैं, ''मैं भविष्य में इसे बनाने जा रही हूं।'' उन्हें जापान की सबसे सफल कलाकार कहा जाता है। इसके अलावा, वह सबसे महंगी जीवित कलाकार हैं: 2014 में, उनकी पेंटिंग "व्हाइट नंबर 28" 7.1 मिलियन डॉलर में बिकी थी।

कुसामा टोक्यो में रहती हैं और लगभग चालीस वर्षों से स्वेच्छा से एक मानसिक अस्पताल में रह रही हैं। दिन में एक बार वह इसकी दीवारों पर पेंटिंग करने के लिए निकलती है। वह सुबह तीन बजे उठ जाती है, सो नहीं पाती है और अपना समय काम पर उत्पादक ढंग से बिताना चाहती है। “मैं अब बूढ़ा हो गया हूं, लेकिन मैं अभी भी और अधिक काम और बेहतर काम करने जा रहा हूं। जितना मैंने अतीत में किया है उससे कहीं अधिक। वह कहती हैं, ''मेरा दिमाग तस्वीरों से भरा है।''

(कुल 17 तस्वीरें)

1985 में लंदन में अपने काम की एक प्रदर्शनी में यायोई कुसामा। फोटो: निल्स जोर्गेनसेन/रेक्स/शटरस्टॉक

नौ बजे से छह बजे तक, कुसमा व्हीलचेयर के आराम से अपने तीन मंजिला स्टूडियो में काम करते हैं। वह चल तो सकती है, लेकिन बहुत कमजोर है। एक महिला टेबल पर या फर्श पर रखे कैनवास पर काम करती है। स्टूडियो नई पेंटिंग्स, छोटे-छोटे धब्बों के साथ बिखरी चमकदार कलाकृतियों से भरा है। कलाकार इसे "आत्म-मौन" कहते हैं - अंतहीन दोहराव जो उसके सिर में शोर को दबा देता है।

2006 में टोक्यो में प्रीमियम इंपीरियल कला पुरस्कारों से पहले। फोटो: सटन-हिबर्ट/आरईएक्स/शटरस्टॉक

जल्द ही सड़क के पार एक नई गैलरी खुल रही है, और उनकी कला का एक और संग्रहालय टोक्यो के उत्तर में बनाया जा रहा है। इसके अलावा, उनके काम की दो प्रमुख प्रदर्शनियाँ खुल रही हैं। "यायोई कुसामा: इन्फिनिटी मिरर्स", उनके 65 साल के करियर का पूर्वव्यापी प्रदर्शन, 23 फरवरी को वाशिंगटन के हिर्शहॉर्न संग्रहालय में खुला और सिएटल, लॉस एंजिल्स, टोरंटो और क्लीवलैंड की यात्रा से पहले 14 मई तक चलेगा। प्रदर्शनी में कुसमा की 60 पेंटिंग शामिल हैं।

उसके पोल्का डॉट्स में लुई वुइटन की पोशाकों से लेकर उसके गृहनगर की बसों तक सब कुछ शामिल है। कुसामा का काम नियमित रूप से लाखों डॉलर में बिकता है और न्यूयॉर्क से एम्स्टर्डम तक पूरी दुनिया में पाया जा सकता है। जापानी कलाकारों की कृतियों की प्रदर्शनियाँ इतनी लोकप्रिय हैं कि भीड़ और दंगों को रोकने के लिए उपायों की आवश्यकता होती है। उदाहरण के लिए, हिर्शहॉर्न में, आगंतुकों के प्रवाह को किसी तरह नियंत्रित करने के लिए प्रदर्शनी के टिकट एक निश्चित समय के लिए बेचे जाते हैं।

2012 में न्यूयॉर्क में लुई वुइटन और यायोई कुसामा के संयुक्त डिजाइन की प्रस्तुति। फोटो: बिली फैरेल एजेंसी/आरईएक्स/शटरस्टॉक

लेकिन कुसमा को अभी भी बाहरी अनुमोदन की आवश्यकता है। एक साक्षात्कार में जब उनसे पूछा गया कि क्या उन्होंने दशकों पहले अमीर और प्रसिद्ध बनने का अपना लक्ष्य हासिल कर लिया था, तो उन्होंने आश्चर्य से कहा: “जब मैं छोटी थी, तो मुझे अपनी माँ को यह समझाने में बहुत कठिनाई हुई कि मैं एक कलाकार बनना चाहती हूँ। क्या यह सचमुच सच है कि मैं अमीर और प्रसिद्ध हूं?

कुसामा का जन्म 1929 में मध्य जापान के पहाड़ों में मात्सुमोतो में एक धनी और रूढ़िवादी परिवार में हुआ था जो पौधे बेचते थे। लेकिन यह एक खुशहाल घर नहीं था. उसकी माँ अपने धोखेबाज पति से घृणा करती थी और उसकी जासूसी करने के लिए छोटी कुसमा को भेजती थी। लड़की ने अपने पिता को अन्य महिलाओं के साथ देखा, और इससे उसे जीवन भर सेक्स के प्रति घृणा हो गई।

2012 में कुसामा द्वारा डिज़ाइन की गई लुई वुइटन बुटीक विंडो। फोटो: जो शिल्डहॉर्न/बीएफए/आरईएक्स/शटरस्टॉक

एक बच्ची के रूप में, उसे दृश्य और श्रवण मतिभ्रम का अनुभव होने लगा। पहली बार जब उसने कद्दू को देखा तो उसे लगा कि वह उससे बात कर रहा है। भावी कलाकार ने अपने दिमाग में विचारों को डुबाने के लिए दोहराए जाने वाले पैटर्न बनाकर दृश्यों का सामना किया। इतनी कम उम्र में भी, कला उनके लिए एक प्रकार की चिकित्सा बन गई, जिसे वह बाद में "कला चिकित्सा" कहने लगीं।

2012 में व्हिटनी म्यूज़ियम ऑफ़ कंटेम्पररी आर्ट में प्रदर्शन पर यायोई कुसामा का काम। फोटो: बिली फैरेल एजेंसी/आरईएक्स/शटरस्टॉक

कुसमा की मां अपनी बेटी की कलाकार बनने की इच्छा के सख्त खिलाफ थीं और इस बात पर जोर देती थीं कि लड़की पारंपरिक रास्ते पर चले। “वह मुझे चित्र नहीं बनाने देती थी। वह चाहती थी कि मैं शादी कर लूं,'' कलाकार ने एक साक्षात्कार में कहा। - उसने मेरा काम फेंक दिया। मैं खुद को ट्रेन के नीचे फेंकना चाहता था। मैं हर दिन अपनी मां से झगड़ती थी और इसलिए मेरा दिमाग खराब हो गया था।”

1948 में, युद्ध की समाप्ति के बाद, कुसामा सख्त नियमों के साथ पारंपरिक जापानी निहोंगा पेंटिंग का अध्ययन करने के लिए क्योटो गए। उसे इस तरह की कला से नफरत थी.

2012 में व्हिटनी म्यूज़ियम ऑफ़ कंटेम्परेरी आर्ट में यायोई कुसामा प्रदर्शनी की प्रदर्शनियों में से एक। फोटो: बिली फैरेल एजेंसी/आरईएक्स/शटरस्टॉक

जब कुसामा मात्सुमोतो में रहती थी, तो उसे जॉर्जिया ओ'कीफ़े की एक किताब मिली और वह उसकी पेंटिंग देखकर चकित रह गई। लड़की टोक्यो में अमेरिकी दूतावास में वहां की निर्देशिका में ओ'कीफ के बारे में एक लेख खोजने और उसका पता जानने के लिए गई। कुसमा ने उसे एक पत्र लिखा और उसे कुछ चित्र भेजे, और उसे आश्चर्य हुआ जब अमेरिकी कलाकार ने उसे उत्तर दिया।

“मुझे अपनी किस्मत पर विश्वास नहीं हो रहा था! कलाकार ने अपनी आत्मकथा "इन्फिनिटी नेट" में लिखा है, "वह इतनी दयालु थी कि उसने एक मामूली जापानी लड़की की भावनाओं के अचानक फूटने पर प्रतिक्रिया दी, जिससे वह अपने जीवन में कभी नहीं मिली थी और जिसके बारे में उसने कभी सुना भी नहीं था।"

2012 में न्यूयॉर्क में अपने लुई वुइटन बुटीक विंडो डिस्प्ले में यायोई कुसामा। फोटो: निल्स जोर्गेनसन/आरईएक्स/शटरस्टॉक

ओ'कीफ़े की चेतावनियों के बावजूद कि संयुक्त राज्य अमेरिका में युवा कलाकारों के लिए जीवन बहुत कठिन था, जापान में अकेली युवा लड़कियों का तो जिक्र ही नहीं किया गया, कुसामा अजेय थीं। 1957 में, वह पासपोर्ट और वीज़ा प्राप्त करने में सफल रहीं। युद्धोत्तर मुद्रा नियंत्रण से बचने के लिए उसने अपनी पोशाकों में डॉलर सिल दिए।

पहला पड़ाव सिएटल था, जहां उन्होंने एक छोटी गैलरी में एक प्रदर्शनी आयोजित की। फिर कुसमा न्यूयॉर्क चली गईं, जहां उन्हें बहुत निराशा हुई। “युद्ध के बाद मात्सुमोतो के विपरीत, न्यूयॉर्क हर मायने में एक दुष्ट और हिंसक जगह थी। यह मेरे लिए बहुत तनावपूर्ण साबित हुआ और मैं जल्द ही न्यूरोसिस में फंस गया। मामले को और भी बदतर बनाने के लिए, कुसमा ने खुद को पूरी तरह से गरीबी में पाया। एक पुराना दरवाज़ा उसके बिस्तर के रूप में काम करता था, और वह सूप बनाने के लिए कचरे के डिब्बे से मछली के सिर और सड़ी हुई सब्जियाँ निकालती थी।

इंस्टालेशन इन्फिनिटी मिरर रूम - लव फॉरएवर ("अनंत दर्पण वाला कमरा - हमेशा के लिए प्यार")। फोटो: टोनी किरियाकौ/आरईएक्स/शटरस्टॉक

इस कठिन परिस्थिति ने कुसमा को अपने काम में और भी अधिक डूबने के लिए प्रेरित किया। उन्होंने इन्फिनिटी नेट श्रृंखला में अपनी पहली पेंटिंग बनाना शुरू किया, जिसमें विशाल कैनवस (उनमें से एक 10 मीटर ऊंचा था) को छोटे-छोटे लूपों की मंत्रमुग्ध कर देने वाली लहरों के साथ कवर किया गया, जो कभी खत्म नहीं होती थीं। कलाकार ने स्वयं उनका वर्णन इस प्रकार किया है: "शून्यता के निराशाजनक अंधेरे की पृष्ठभूमि के खिलाफ मूक मौत के काले बिंदुओं को ढंकते सफेद नेटवर्क।"

2015 में मॉस्को के गोर्की पार्क में गैराज म्यूजियम ऑफ कंटेम्पररी आर्ट की नई इमारत के उद्घाटन पर यायोई कुसामा द्वारा स्थापना। फोटो: डेविड एक्स प्रुटिंग/बीएफए.कॉम/आरईएक्स/शटरस्टॉक

इस जुनूनी-बाध्यकारी दोहराव ने न्यूरोसिस को दूर भगाने में मदद की, लेकिन यह हमेशा बचा नहीं सका। कुसमा को लगातार मनोविकृति का सामना करना पड़ा और उसे न्यूयॉर्क के एक अस्पताल में भर्ती कराया गया। महत्वाकांक्षी और दृढ़निश्चयी, और किमोनो में एक विदेशी एशियाई महिला की भूमिका को ख़ुशी से स्वीकार करते हुए, वह कला में प्रभावशाली लोगों के समूह में शामिल हो गईं और मार्क रोथको और एंडी वारहोल जैसे मान्यता प्राप्त कलाकारों के साथ जुड़ीं। कुसमा ने बाद में कहा कि वारहोल ने उनके काम की नकल की।

कुसमा ने जल्द ही काफी प्रसिद्धि हासिल की और भीड़ भरी दीर्घाओं में प्रदर्शन किया। इसके अलावा, कलाकार की प्रसिद्धि निंदनीय हो गई।

1960 के दशक में, जब कुसामा को पोल्का डॉट्स का शौक था, तब उन्होंने न्यूयॉर्क शहर में घटनाओं का मंचन करना शुरू कर दिया, लोगों को सेंट्रल पार्क और ब्रुकलिन ब्रिज जैसी जगहों पर नग्न होने और अपने शरीर को पोल्का डॉट्स से रंगने के लिए प्रोत्साहित किया।

2013 में हांगकांग में आर्ट बेसल में प्री-डिस्प्ले। फोटो: बिली फैरेल/बीएफए/आरईएक्स/शटरस्टॉक

ऑक्युपाई वॉल स्ट्रीट आंदोलन से दशकों पहले, कुसामा ने न्यूयॉर्क के वित्तीय जिले में एक घटना का मंचन किया था, जिसमें घोषणा की गई थी कि वह "पोल्का डॉट्स के साथ वॉल स्ट्रीट के लोगों को नष्ट करना चाहती थी।" इस समय के आसपास, उसने विभिन्न वस्तुओं - एक कुर्सी, एक नाव, एक घुमक्कड़ - को फालिक-दिखने वाले उभारों से ढंकना शुरू कर दिया। कलाकार ने लिखा, "मैंने सेक्स के प्रति अपनी घृणा की भावनाओं को ठीक करने के लिए लिंग बनाना शुरू किया," यह बताते हुए कि कैसे इस रचनात्मक प्रक्रिया ने धीरे-धीरे भयानक को कुछ परिचित में बदल दिया।

लंदन में टेट गैलरी में "पासिंग विंटर" की स्थापना। फोटो: जेम्स गौर्ली/आरईएक्स/शटरस्टॉक

कुसमा ने कभी शादी नहीं की, हालांकि न्यूयॉर्क में रहने के दौरान कलाकार जोसेफ कॉर्नेल के साथ उनका दस साल तक शादी जैसा रिश्ता रहा। आर्ट मैगज़ीन के साथ एक साक्षात्कार में उन्होंने कहा, "मुझे सेक्स पसंद नहीं था, और वह नपुंसक था, इसलिए हम एक-दूसरे के लिए बहुत उपयुक्त थे।"

कुसामा अपनी हरकतों के कारण तेजी से प्रसिद्ध हो गईं: उन्होंने अमेरिकी राष्ट्रपति रिचर्ड निक्सन के साथ सोने की पेशकश की, अगर वह वियतनाम में युद्ध समाप्त कर देंगे। "आइए एक-दूसरे को पोल्का डॉट्स से सजाएँ," उसने उसे एक पत्र में लिखा। उसकी कला में रुचि ख़त्म हो गई, उसने खुद को अनुकूलता से बाहर पाया, और पैसे की समस्याएँ फिर से शुरू हो गईं।

2012 में न्यूयॉर्क में व्हिटनी म्यूज़ियम ऑफ़ मॉडर्न आर्ट में अपने काम के पूर्वव्यापी अवलोकन के दौरान यायोई कुसामा। फोटो: स्टीव आइचनर/पेंस्के मीडिया/आरईएक्स/शटरस्टॉक

कुसामा के भागने की खबर जापान तक पहुंच गई। वे उसे "राष्ट्रीय आपदा" कहने लगे और उसकी माँ ने कहा कि बेहतर होगा कि उनकी बेटी बचपन में ही इस बीमारी से मर जाए। 1970 के दशक की शुरुआत में, गरीब और असफल होकर, कुसामा जापान लौट आया। उसने एक मनोरोग अस्पताल में पंजीकरण कराया, जहां वह अभी भी रहती है, और कलात्मक अस्पष्टता में डूब गई।

1989 में, न्यूयॉर्क में सेंटर फॉर कंटेम्परेरी आर्ट ने उनके काम का पूर्वव्यापी मंचन किया। कुसमा की कला में रुचि के पुनरुद्धार की यह धीमी ही सही, शुरुआत थी। उन्होंने एक इंस्टॉलेशन के लिए एक दर्पण वाले कमरे को कद्दूओं से भर दिया, जिसे 1993 में वेनिस बिएननेल में प्रदर्शित किया गया था और 1998 में न्यूयॉर्क में एमओएमए में एक प्रमुख प्रदर्शनी लगाई गई थी। यहीं पर उसने एक बार एक घटना का मंचन किया था।

फरवरी 2017 में टोक्यो के राष्ट्रीय कला केंद्र में माई इटरनल सोल प्रदर्शनी में। फोटो: मासातोशी ओकाउची/आरईएक्स/शटरस्टॉक

पिछले कुछ वर्षों में, यायोई कुसामा एक अंतरराष्ट्रीय घटना बन गई है। लंदन में टेट मॉडर्न गैलरी और न्यूयॉर्क में व्हिटनी म्यूज़ियम ने प्रमुख पूर्वव्यापी आयोजन किए, जिन्होंने आगंतुकों की भारी भीड़ को आकर्षित किया, और इसका प्रतिष्ठित पोल्का डॉट पैटर्न अत्यधिक पहचानने योग्य बन गया।

कलाकार की काम बंद करने की कोई योजना नहीं है, लेकिन उसने अपनी मृत्यु के बारे में सोचना शुरू कर दिया है। “मुझे नहीं पता कि मैं मरने के बाद भी कितने समय तक जीवित रह पाऊंगा। एक भावी पीढ़ी है जो मेरे नक्शेकदम पर चलती है। अगर लोग मेरे काम को देखकर आनंदित होते हैं और मेरी कला से प्रभावित होते हैं तो यह मेरे लिए सम्मान की बात होगी।

अपनी कला के व्यावसायीकरण के बावजूद, कुसामा मात्सुमोतो में कब्र के बारे में सोचती है - पारिवारिक कब्रगाह में नहीं, वैसे भी उसे यह अपने माता-पिता से विरासत में मिली है - और इसे एक मंदिर में कैसे नहीं बदला जाए। “लेकिन मैं अभी नहीं मर रहा हूँ। मुझे लगता है कि मैं 20 साल और जीऊंगी,'' वह कहती हैं।

जापानी शास्त्रीय चित्रकला का एक लंबा और दिलचस्प इतिहास है। जापान की दृश्य कलाएँ विभिन्न शैलियों और शैलियों में प्रस्तुत की जाती हैं, जिनमें से प्रत्येक अपने तरीके से अद्वितीय है। कांस्य डोटाकू घंटियों और मिट्टी के बर्तनों के टुकड़ों पर पाई गई प्राचीन चित्रित मूर्तियाँ और ज्यामितीय रूपांकन 300 ईस्वी पूर्व के हैं।

कला का बौद्ध अभिविन्यास

दीवार पेंटिंग की कला जापान में काफी विकसित थी; छठी शताब्दी में, बौद्ध दर्शन के विषय पर चित्र विशेष रूप से लोकप्रिय थे। उस समय, देश में बड़े-बड़े मंदिर बनाए जा रहे थे, और उनकी दीवारों को हर जगह बौद्ध मिथकों और किंवदंतियों के दृश्यों के आधार पर चित्रित भित्तिचित्रों से सजाया गया था। जापानी शहर नारा के पास होरीयूजी मंदिर में दीवार चित्रों के प्राचीन उदाहरण अभी भी संरक्षित हैं। होरियूजी भित्ति चित्र बुद्ध और अन्य देवताओं के जीवन के दृश्यों को दर्शाते हैं। इन भित्ति चित्रों की कलात्मक शैली सांग राजवंश के दौरान चीन में लोकप्रिय चित्रात्मक अवधारणा के बहुत करीब है।

तांग राजवंश की चित्रकला शैली ने नारा काल के मध्य में विशेष लोकप्रियता हासिल की। ताकामात्सुजुका मकबरे में खोजे गए भित्तिचित्र लगभग 7वीं शताब्दी ईस्वी के इसी काल के हैं। तांग राजवंश के प्रभाव में बनी कलात्मक तकनीक ने बाद में कारा-ए की पेंटिंग शैली का आधार बनाया। यमातो-ए शैली में पहली रचनाओं के सामने आने तक इस शैली ने अपनी लोकप्रियता बरकरार रखी। अधिकांश भित्तिचित्र और पेंटिंग अज्ञात लेखकों द्वारा बनाई गई हैं; आज, उस अवधि के कई कार्य सेसोइन खजाने में रखे गए हैं।

तेंडाई जैसे नए बौद्ध विद्यालयों के बढ़ते प्रभाव ने 8वीं और 9वीं शताब्दी में जापानी ललित कला के व्यापक धार्मिक फोकस को प्रभावित किया। 10वीं शताब्दी में, जिसमें जापानी बौद्ध धर्म में विशेष प्रगति देखी गई, रायगोज़ु की शैली, "स्वागत पेंटिंग" दिखाई दी, जिसमें पश्चिमी स्वर्ग में बुद्ध के आगमन को दर्शाया गया था। राइगोज़ू के शुरुआती उदाहरण, 1053 में पाए गए, बेडो-इन मंदिर में देखे जा सकते हैं, जो क्योटो प्रान्त के उजी शहर में मौजूद है।

शैलियाँ बदल रही हैं

हेन काल के मध्य में, चीनी कारा-ए शैली को यमातो-ए शैली द्वारा प्रतिस्थापित किया गया, जो लंबे समय तक जापानी चित्रकला की सबसे लोकप्रिय और मांग वाली शैलियों में से एक बन गई। नई चित्रात्मक शैली का उपयोग मुख्य रूप से फोल्डिंग स्क्रीन और स्लाइडिंग दरवाजों की पेंटिंग में किया गया था। समय के साथ, यमातो-ई भी क्षैतिज इमाकिमोनो स्क्रॉल में चला गया। इमाकी शैली में काम करने वाले कलाकारों ने अपने कार्यों में चुने हुए कथानक की सभी भावनात्मकता को व्यक्त करने का प्रयास किया। जेनजी मोनोगेटरी स्क्रॉल में कई एपिसोड एक साथ जुड़े हुए थे, जिसमें उस समय के कलाकारों ने त्वरित ब्रश स्ट्रोक और उज्ज्वल, अभिव्यंजक रंगों का उपयोग किया था।

ई-माकी, पुरुष चित्रण की एक शैली, ओटोको-ई के सबसे पुराने और सबसे प्रमुख उदाहरणों में से एक है। महिलाओं के चित्रों को एक अलग शैली के रूप में वर्गीकृत किया गया है। इन शैलियों के बीच, वास्तव में, पुरुषों और महिलाओं की तरह, काफी महत्वपूर्ण अंतर दिखाई देते हैं। ओना-ए शैली को टेल ऑफ़ जेनजी के डिज़ाइन में रंगीन रूप से दर्शाया गया है, जहाँ चित्रों का मुख्य विषय रोमांटिक विषय और अदालती जीवन के दृश्य हैं। पुरुष ओटोको-ए शैली मुख्य रूप से साम्राज्य के जीवन की ऐतिहासिक लड़ाइयों और अन्य महत्वपूर्ण घटनाओं का एक कलात्मक चित्रण है।

शास्त्रीय जापानी कला विद्यालय जापान में समकालीन कला के विचारों के विकास और प्रचार के लिए उपजाऊ जमीन बन गया है, जिसमें पॉप संस्कृति और एनीमे का प्रभाव स्पष्ट रूप से देखा जा सकता है। हमारे समय के सबसे प्रसिद्ध जापानी कलाकारों में से एक को ताकाशी मुराकामी कहा जा सकता है, जिनका काम युद्ध के बाद के समय में जापानी जीवन के दृश्यों और ललित कला और मुख्यधारा के अधिकतम संलयन की अवधारणा को चित्रित करने के लिए समर्पित है।

शास्त्रीय विद्यालय के प्रसिद्ध जापानी कलाकारों में हम निम्नलिखित का नाम ले सकते हैं।

तनावपूर्ण ज़ुबुन

स्यूबुन ने 15वीं सदी की शुरुआत में काम किया और सोंग राजवंश के चीनी मास्टर्स के कार्यों का अध्ययन करने के लिए बहुत समय समर्पित किया; यह व्यक्ति जापानी दृश्य शैली के मूल में खड़ा था। शुबुन को सुमी-ए शैली, मोनोक्रोम स्याही पेंटिंग का संस्थापक माना जाता है। उन्होंने नई शैली को लोकप्रिय बनाने के लिए बहुत प्रयास किए, जिससे यह जापानी चित्रकला के अग्रणी क्षेत्रों में से एक बन गया। सुबुन के छात्र कई कलाकार थे जो बाद में प्रसिद्ध हुए, जिनमें सेशु और प्रसिद्ध कला विद्यालय के संस्थापक कानो मसानोबू भी शामिल थे। कई परिदृश्यों का श्रेय ज़ुबुन को दिया गया, लेकिन उनका सबसे प्रसिद्ध काम पारंपरिक रूप से "रीडिंग इन ए बैम्बू ग्रोव" माना जाता है।

ओगाटा कोरिन (1658-1716)

ओगाटा कोरिन जापानी चित्रकला के इतिहास में सबसे महान कलाकारों में से एक हैं, रिम्पा कलात्मक शैली के संस्थापक और सबसे प्रतिभाशाली प्रतिनिधियों में से एक हैं। कोरिन ने साहसपूर्वक अपने कार्यों में पारंपरिक रूढ़ियों से दूर जाकर अपनी शैली बनाई, जिसकी मुख्य विशेषताएं छोटे रूप और कथानक की उज्ज्वल प्रभाववादिता थीं। कोरिन को प्रकृति का चित्रण करने और अमूर्त रंग रचनाओं के साथ काम करने में उनके विशेष कौशल के लिए जाना जाता है। "प्लम ब्लॉसम रेड एंड व्हाइट" ओगाटा कोरिन की सबसे प्रसिद्ध कृतियों में से एक है; उनकी पेंटिंग "क्राइसेंथेमम्स", "वेव्स ऑफ मत्सुशिमा" और कई अन्य भी जानी जाती हैं।

हसेगावा तोहाकु (1539-1610)

तोहाकु जापानी हसेगावा कला विद्यालय के संस्थापक हैं। तोहाकु के काम का प्रारंभिक काल जापानी चित्रकला के प्रसिद्ध स्कूल के प्रभाव से पहचाना जाता है कानो, लेकिन समय के साथ कलाकार ने अपनी अनूठी शैली बनाई। कई मायनों में, तोहाकु का काम मान्यता प्राप्त गुरु सेशू के कार्यों से प्रभावित था; होसेगावा ने खुद को इस महान गुरु का पांचवां उत्तराधिकारी भी माना। हसेगावा तोहाकु की पेंटिंग "पाइंस" ने दुनिया भर में ख्याति प्राप्त की है; उनकी रचनाएँ "मेपल", "पाइंस एंड फ्लावरिंग प्लांट्स" और अन्य भी जानी जाती हैं।

कानो ईटोकू (1543-1590)

कानो स्कूल शैली लगभग चार शताब्दियों तक जापान की दृश्य कला पर हावी रही, और कानो ईटोकू शायद इस कला स्कूल के सबसे प्रसिद्ध और प्रमुख प्रतिनिधियों में से एक है। ईटोकू को अधिकारियों का समर्थन प्राप्त था, अभिजात वर्ग और धनी संरक्षकों का संरक्षण उसके स्कूल को मजबूत करने और इस के कार्यों की लोकप्रियता में योगदान नहीं दे सका, इसमें कोई संदेह नहीं है, बहुत प्रतिभाशाली कलाकार। ईटोकू कानो द्वारा चित्रित आठ पैनल वाली साइप्रस स्लाइडिंग स्क्रीन, एक सच्ची कृति है और मोनोयामा शैली के दायरे और शक्ति का एक चमकदार उदाहरण है। मास्टर की अन्य कृतियाँ, जैसे "बर्ड्स एंड ट्रीज़ ऑफ़ द फोर सीज़न्स", "चाइनीज़ लायंस", "हर्मिट्स एंड ए फेयरी" और कई अन्य, भी कम दिलचस्प नहीं लगती हैं।

कत्सुशिका होकुसाई (1760-1849)

होकुसाई उकियो-ए (जापानी वुडकट) शैली के महानतम गुरु हैं। होकुसाई के काम को दुनिया भर में मान्यता मिली है, अन्य देशों में उनकी प्रसिद्धि अधिकांश एशियाई कलाकारों की लोकप्रियता के बराबर नहीं है, उनका काम "द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा" विश्व कला परिदृश्य पर जापानी ललित कला का एक कॉलिंग कार्ड बन गया है। अपने रचनात्मक पथ पर, होकुसाई ने तीस से अधिक छद्म शब्दों का उपयोग किया; साठ के बाद, कलाकार ने खुद को पूरी तरह से कला के लिए समर्पित कर दिया, और यह वह समय था जिसे उनके काम का सबसे फलदायी अवधि माना जाता है। होकुसाई के कार्यों ने प्रभाववाद के पश्चिमी उस्तादों और प्रभाववाद के बाद के काल के काम को प्रभावित किया, जिसमें रेनॉयर, मोनेट और वान गाग का काम भी शामिल है।

सामान्य तौर पर जापानी कला और विशेष रूप से जापानी चित्रकला कई पश्चिमी लोगों को जटिल और अस्पष्ट लगती है, ठीक उसी तरह जैसे सामान्य तौर पर पूर्व की संस्कृति। इसके अलावा, किसी के लिए भी जापानी चित्रकला की शैलियों के बीच अंतर करना दुर्लभ है। लेकिन एक सुसंस्कृत व्यक्ति के लिए, विशेषकर यदि वह सौंदर्य का पारखी हो, इस विषय को समझना अच्छा होगा।

प्राचीन काल में जापानी संस्कृति और चित्रकला

प्रारंभिक जोमोन संस्कृति (लगभग 7000 ईसा पूर्व) के प्रतिनिधि मिट्टी की मूर्तियों, मुख्य रूप से महिलाओं की मूर्तियों के निर्माण में लगे हुए थे। बाद की अवधि में, नवागंतुकों ने तांबे के हथियार, योजनाबद्ध रूप से खींची गई आकृतियों वाली कांस्य घंटियाँ और आदिम चीनी मिट्टी की चीज़ें बनाना शुरू कर दिया। प्राचीन कब्रों की दीवार पेंटिंग और घंटियों पर रूपरेखा चित्र जापानी चित्रकला के सबसे शुरुआती उदाहरण माने जाते हैं।

बौद्ध धर्म और चीनी संस्कृति का प्रभाव

कोरिया और चीन से जापानी क्षेत्र में बौद्ध धर्म के आगमन के साथ जापान में ललित कला के विकास को गंभीर प्रोत्साहन मिला। सत्ता में बैठे लोगों ने बौद्ध धर्म में विशेष रुचि दिखाई। 7वीं-9वीं शताब्दी की पेंटिंग ने लगभग पूरी तरह से चीनी चित्रात्मक परंपरा की नकल की; उस समय के मुख्य विषय बुद्ध, उनसे जुड़ी हर चीज़ और बौद्ध देवताओं के जीवन के दृश्य थे। 10वीं शताब्दी में, जापानी चित्रकला बौद्ध धर्म के प्योर लैंड स्कूल से काफी प्रभावित थी।

6ठी-7वीं शताब्दी में, पूरे जापान में मंदिरों और मठों का निर्माण शुरू हुआ, जिसके लिए विशेष विषयगत सजावट की आवश्यकता थी। मंदिर की दीवार पेंटिंग जापानी ललित कला के विकास के शुरुआती चरणों में से एक है। मंदिर चित्रकला के ज्वलंत उदाहरण असुका-डेरा, शितेनोजी और होरुजी के मंदिरों में भित्ति चित्र हैं। उस समय के कुछ सबसे उत्कृष्ट कार्य होरियूजी मंदिर के गोल्डन हॉल में हैं। दीवार चित्रों के अलावा, मंदिरों में बुद्ध और अन्य देवताओं की मूर्तियाँ स्थापित की गईं।

हैनान काल के मध्य में, जापान में चीनी चित्रकला शैली का स्थान यमातो-ई नामक उसकी अपनी शैली ने ले लिया। यमातो-ए शैली की पेंटिंगों में फोल्डिंग स्क्रीन और स्लाइडिंग दरवाज़ों को सजाया गया था; एक नियम के रूप में, यमातो-ए का मुख्य विषय क्योटो और शहर के जीवन के दृश्य थे। पेंटिंग के मुख्य प्रारूप के रूप में लैंडस्केप शीट और स्क्रॉल (इमाकी) पर चित्र यमातो-ई के साथ लगभग एक साथ दिखाई दिए। इमाकी शैली में सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ जापानी महाकाव्य द टेल ऑफ़ जेनजी में देखी जा सकती हैं, जो 1130 की है, हालाँकि इसे पहले भी लिखा जा सकता था।

अभिजात वर्ग से समुराई तक सत्ता के संक्रमण के दौरान, अभिजात वर्ग, अपनी संपत्ति खोने के डर से, अक्सर कला के कार्यों में अपने धन का निवेश करते थे, उस समय के प्रसिद्ध कलाकारों को हर संभव तरीके से संरक्षण देते थे। काम के क्लासिक उदाहरण जो अभिजात वर्ग द्वारा चुने गए थे, एक नियम के रूप में, रूढ़िवाद की शैली में डिजाइन किए गए थे। समुराई यथार्थवाद को प्राथमिकता देते थे; कामाकुरा काल (1185-1333) के दौरान जापान की ललित कलाओं में ये दो प्रवृत्तियाँ प्रबल थीं।

13वीं शताब्दी में, जापानी संस्कृति ज़ेन बौद्ध धर्म से काफी प्रभावित थी। कामाकुरा और क्योटो के मठों में स्याही पेंटिंग का व्यापक रूप से अभ्यास किया गया था; स्याही पेंटिंग का उपयोग अक्सर स्क्रॉल, दीवार पर लटकाने या ट्यूबलर स्क्रॉल को सजाने के लिए किया जाता था। स्याही चित्र एक साधारण मोनोक्रोम शैली में थे, जो मूलतः चित्रकला की एक शैली थी जो चीन के सोंग (960-1279) और युआन (1279-1368) साम्राज्यों से जापान में आई थी। 1400 के अंत तक, शिबोकुगा नामक मोनोक्रोम स्याही पेंटिंग विशेष रूप से लोकप्रिय हो गईं।

ईदो काल की पेंटिंग

1600 में, टोकुगावा शोगुनेट सत्ता में आया, और सापेक्ष व्यवस्था और स्थिरता ने देश में शासन किया, और यह जीवन के सभी क्षेत्रों में प्रकट हुआ - अर्थशास्त्र से लेकर राजनीति तक। व्यापारी वर्ग तेजी से समृद्ध होने लगा और कला में रुचि दिखाने लगा।

1624-1644 की अवधि की पेंटिंग्स में जापानी समाज के विभिन्न वर्गों और सम्पदाओं के प्रतिनिधियों को कामोगावा नदी के पास क्योटो के एक जिले में एकत्रित होते हुए दर्शाया गया है। ओसाका और ईदो दोनों में समान क्षेत्र मौजूद थे। पेंटिंग में एक अलग उकियो-ए शैली दिखाई दी; इसके विषय हॉट स्पॉट और काबुकी थिएटर पर केंद्रित थे। ukiyo-e शैली में काम पूरे देश में लोकप्रिय हो गए; 18वीं शताब्दी की शुरुआत तक, ukiyo-e शैली को अक्सर वुडकट्स के रूप में दर्शाया गया था। इस शैली में पहली मुद्रित तस्वीरें कामुक और कामुक विषयों या ग्रंथों को समर्पित थीं। 18वीं शताब्दी के अंत में, उकियो-ए पेंटिंग गतिविधि का केंद्र क्योटो-ओसाका क्षेत्र से एदो में स्थानांतरित हो गया, जहां काबुकी अभिनेताओं के चित्र और जापानी सुंदरियों की छवियों ने विषयों की गैलरी में केंद्र स्थान ले लिया।

18वीं सदी के उत्तरार्ध को उकियो-ए शैली का स्वर्ण युग माना जाता है। इस समय, अद्भुत जापानी कलाकार टोरी कीनागा काम कर रहे थे, जो मुख्य रूप से सुंदर जापानी सुंदरियों और नग्नताओं का चित्रण कर रहे थे। 1790 के बाद, कला परिदृश्य पर नए रुझान और कलाकार सामने आने लगे, जिनमें सबसे प्रसिद्ध थे कितागावा उटामारो, कटसुहिका होकुसाई, एंडो हिरोशिगे और उटागावा कुनीशी।

पश्चिमी कला विद्यालय के प्रतिनिधियों के लिए, जापानी उकियो-ए शैली न केवल विदेशी चित्रकला शैलियों में से एक बन गई है, बल्कि प्रेरणा और कुछ विवरण उधार लेने का एक वास्तविक स्रोत बन गई है। एडगर डेगास और विंसेंट वान गॉग जैसे कलाकारों ने अपने कार्यों में उकियो-ए शैलीगत रचनाओं, परिप्रेक्ष्य और रंग का उपयोग किया। पश्चिमी कला में, प्रकृति का विषय बहुत लोकप्रिय नहीं था, लेकिन जापान में प्रकृति और जानवरों को अक्सर चित्रित किया जाता था, जिसके परिणामस्वरूप पश्चिमी मास्टर्स के विषयों का कुछ हद तक विस्तार हुआ। फ्रांसीसी कलाकार और ग्लास मास्टर एमिल गैले ने अपने फूलदानों की सजावट में होकुसाई द्वारा बनाए गए मछली के रेखाचित्रों का उपयोग किया।

सम्राट मीजी (1868-1912) के युग और उनकी पश्चिम-समर्थक नीतियों के दौरान, उकियो-ए शैली, जो हमेशा लोक राष्ट्रीय संस्कृति के साथ निकटता से जुड़ी रही, ने अपने विकास को काफी धीमा कर दिया और व्यावहारिक रूप से क्षय में गिर गई। जापानी कलाकारों के कार्यों में अधिक से अधिक पश्चिमी रूपांकन दिखाई दिए; यूरोपीय कला की शैली ने बड़े पैमाने पर मारुयामा ओकियो, मात्सुमारा गोशुन और इतो याकुशु जैसे जापानी कलाकारों के काम को प्रभावित किया, जिन्होंने अपने सभी यूरोपीयकरण के बावजूद, जापानी परंपराओं को कुशलतापूर्वक संयोजित किया, उनके कार्यों में चीनी और पश्चिमी चित्रकला।

समसामयिक जापानी चित्रकला

मीजी काल के दौरान, जापानी संस्कृति में काफी क्रांतिकारी परिवर्तन हुए: पश्चिमी तकनीकों को हर जगह पेश किया गया, और इस प्रक्रिया ने ललित कलाओं को भी नजरअंदाज नहीं किया। सरकार ने कई कलाकारों को यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका में अध्ययन के लिए भेजा, जबकि संस्कृति में पश्चिमी नवाचारों और पारंपरिक जापानी शैलियों के बीच काफी ध्यान देने योग्य संघर्ष था। यह कई दशकों तक जारी रहा और अंततः ताइशो काल (1912-1926) के दौरान जापानी कला में पश्चिमी प्रभाव प्रबल हो गया।