Kelle ballett on maailma parim. Maailma parimad balletid: geniaalne muusika, geniaalne koreograafia...

Vaatamata sellele, et balletti seostatakse raske kunstiga, on see üks neist vormidest, mis on kõikjal maailmas alati mõistetav. Tants ei sõltu sõnadest, mis tähendab, et see võib jõuda kõigini.

Muidugi kehtib see suuremal määral klassikalise balleti kohta, kus saate alati aru saada, mis on mis, isegi libreto lugemata. Kaasaegne ballett kannatab sageli selle all, et tähenduse mõistmine jääb ainult vaataja mõistuse piiridesse. Ja see on ka huvitav kogemus.

1. “Don Quijote”, muusika L. Minkus, koreograafia M. Petipa

Tuntud lugu puhta südamega ekstsentrikust, kes võitles tuuleveskitega. Aga ballett räägib loomulikult armastusest, kohusest ja aust! Ainult armastus pole Don La Mancha ja Dulcinea vahel (spoiler). Särav, imeline ja lihtsalt meeldiv esitus ei jäta teid ükskõikseks. Ja see on üks väheseid lugusid, mis ei lõpe massilise surmaga.

2. “Pähklipureja”, muusika P. Tšaikovski, koreograafia M. Petipa

Lugu vaprast kuningast, vaprast tüdrukust ja alatust võimunäljasest rotist. Lugu on tuttav peaaegu kõigile, isegi lapsepõlvest. Pole mõtet arvata, et etendus on mõeldud ainult lastele. Täiskasvanud lahkuvad mitte vähem, kui mitte rohkem rõõmuga. Jällegi õnneliku lõpuga saade.
Osta pilet Mariinski teatrisse

3. “Korsair”, muusika A. Adam, C. Pugni, L. Delibes, R. Drigo, P. Oldenburgsky, koreograafia M. Petipa

Idamaiste motiividega seiklusjutt. Kas piraadivaim püsib ka pärast lapsepõlves Stevensoni lugemist? Siis on see koht kindlasti sinu jaoks! Vapper ja otsustav Conrad tuleb toime kõigega: nii reetmise kui ka naisega, keda ta armastab. Asi pole selles, et siin ei sureks keegi (ainult kurikaelad), aga kõik lõpeb kindlasti hästi!
Osta pilet Mariinski teatrisse
Osta pilet Mihhailovski teatrisse

4. “Uinuv kaunitar”, muusika P. Tšaikovski, koreograafia M. Petipa

Naljakas ja uskumatult ilus muinasjutt, kostüümid katarsise äärel, kõik liigutused on nii täiuslikud, et saate sõna otseses mõttes "kuulda kõiki sõnu" (mida keegi loomulikult ei häälda). Lapsed näevad selles maagilist lugu, täiskasvanud leiavad kindlasti humoorikaid hetki. Sellise naudingu keelamine on rangelt keelatud!
Osta pilet Mariinski teatrisse
Osta pilet Mihhailovski teatrisse

5. “Spartacus”, muusika A. Hatšaturjan, koreograafia L. Yakobson/G. Kovtun

Kirglik ja temperamentne lugu mässavast gladiaatorist orjast. Emotsioonid on laes, nii et valmistuge ebatavaliseks õhtuks klassikalises keskkonnas. Mariinski teatris on versioon, mille lavastas Leonid Yakobson ja Mihhailovski teatris - Georgi Kovtun.
Osta pilet Mihhailovski teatrisse

6. “La Bayadère”, muusika L. Minkus, koreograafia M. Petipa

Üks vanimaid ballette Venemaa etenduste repertuaaris. Sellegipoolest on “La Bayadère” rahvuslikku maitset arvestades (ja tegevus toimub Indias) särav, meeldejääv lavastus huvitavate tantsulahenduste ja võrratute kostüümidega (Bollywoodil oli palju inspireeritud). Keeruline armulugu traagilise lõpuga.
Osta piletid Mariinski teatrisse
Osta pileteid Mihhailovski teatrisse

7. “Cipollino”, muusika K. Hatšaturjan, koreograafia G. Mayorov

Loomulikult on see lasteballett, aga kui see on teie lapsepõlve lemmikraamat (nagu mõni meie toimetuses), siis peaksite seda kindlasti vaatama. Särav, imeliste kaunistuste ja rääkivate tantsudega. Seda on nii raske esitada, et see sai hüüdnime "laste Spartak". Ja sõprus ja õiglus võidavad! (noh, kuskil peavad nad võitma)
Osta pilet Mihhailovski teatrisse

8. “Carmen Süit”, muusika J. Bizet ja R. Shchedrin, koreograafia A. Alonso

Hispaania kired, põnevad ja traagilised. Jose armastab Carmenit, Carmen armastab noort Torerot. Armukadedus, torm, hullus, surnud Carmen. Etendus on ühevaatuseline, lühike, sageli näidatakse laval koos mõne teise ühevaatuselise balletiga. Ja mida vähem neid on, seda parem hind.
Osta pilet Mariinski teatrisse

9. “Scheherazade”, muusika N. Rimski-Korsakov, koreograafia M. Fokin

Sensuaalne ja kirglik, te ei saa temalt silmi pöörata. Ühevaatuseline näidend lummavast idast (õigemini sellega seotud “jõhvikast”). Kangelased lahkusid just Tuhande ja ühe öö lehekülgedelt ja alustasid kohe orgiaga. Ei, noh, miks mitte? Mõelge, kas peaksite seda lastele näitama, kuid täiskasvanud naudivad seda kindlasti! Lavastatud ka koos teiste ühevaatuseliste ballettidega.
Osta pilet Mariinski teatrisse

10. Boris Eifmani balletid

ballett kui muusikaline vorm arenes tantsu lihtsast täiendusest spetsiifiliseks kompositsioonivormiks, millel oli sageli sama tähendus kui seda saatval tantsul. 17. sajandil Prantsusmaalt alguse saanud tantsuvorm sai alguse teatritantsuna. Formaalselt sai ballett "klassikalise" staatuse alles 19. sajandil. Balletis arenesid terminid "klassikaline" ja "romantiline" kronoloogiliselt muusikalisest kasutusest. Nii langes 19. sajandil balleti klassikaline periood muusikas romantismi ajastuga. 17.–19. sajandi balletimuusika heliloojad, sealhulgas Jean-Baptiste Lully ja Pjotr ​​Iljitš Tšaikovski, olid peamiselt Prantsusmaal ja Venemaal. Rahvusvahelise tuntuse suurenemisega nägi Tšaikovski oma eluajal balletimuusika kompositsiooni ja üldse balleti levikut kogu läänemaailmas.

Entsüklopeediline YouTube

    1 / 3

    ✪ Absoluutne kuulujutt balleti "Uinuv kaunitar" kohta

    ✪ Dona nobis pacem Anna meile rahu I S Bachi Missa h-moll Tatari ooperi- ja balletiteater 2015

    ✪ ♫ Klassikaline muusika lastele (Klassikaline muusika lastele).

    Subtiitrid

Lugu

  • Umbes 19. sajandi teise pooleni oli muusika roll balletis teisejärguline, põhirõhk oli tantsul, samas kui muusika ise oli lihtsalt tantsulugudest laenatud. "Balletimuusika" kirjutamine oli varem muusikaliste käsitööliste, mitte meistrite töö. Näiteks pidasid vene helilooja Pjotr ​​Iljitš Tšaikovski kriitikud tema balletimuusika kirjutamist millekski alatuks.
    Varaseimatest ballettidest kuni Jean-Baptiste Lully (1632-1687) ajani oli balletimuusika peotantsumuusikast eristamatu. Lully lõi omaette stiili, milles muusika jutustaks. Esimene „Actioni ballett" lavastati 1717. aastal. See oli sõnadeta jutustatud lugu. Teerajajaks oli John Weaver (1673-1760). Nii Lully kui Jean-Philippe Rameau kirjutasid „ooperiballeti", kus tegevus kanti ette. osalt tantsides, osalt lauldes, kuid balletimuusika tähtsus vähenes tasapisi.
    Järgmine suur samm toimus üheksateistkümnenda sajandi esimestel aastatel, kui solistid hakkasid kasutama spetsiaalseid jäikaid balletikingi - pointe kingi. See võimaldas murdosalisemat muusikastiili. 1832. aastal demonstreeris kuulus baleriin Maria Taglioni (1804-1884) esmakordselt pointe kingadel tantsimist. See oli La Sylphide'is. Nüüd oli võimalik muusikat ilmekamaks muuta.Tants muutus järk-järgult julgemaks, baleriine tõstsid õhku mehed.
    Kuni Tšaikovski ajani ei eraldatud balletiheliloojat sümfooniate heliloojast. Balletimuusika oli soolo- ja ansamblitantsu saateks. Tšaikovski ballett Luikede järv oli esimene muusikaline balletiteos, mille on loonud sümfooniline helilooja. Tšaikovski eestvõttel ei kirjutanud balletiheliloojad enam lihtsaid ja kergeid tantsuosi. Nüüd ei olnud balleti põhirõhk ainult tantsul; tantsudele järgnev kompositsioon omandas võrdse tähtsuse. 19. sajandi lõpus töötas vene balleti ja tantsu koreograaf Marius Petipa koos heliloojatega, nagu Cesar Pugni, balleti meistriteoste loomisel, millel oli nii keeruline tants kui ka keerukas muusika. Petipa töötas koos Tšaikovskiga, tehes heliloojaga koostööd tema teoste "Uinuv kaunitar" ja "Pähklipureja" kallal või kaudselt uus väljaanne Tšaikovski "Luikede järv" pärast helilooja surma.
    Paljudel juhtudel kasutati ooperites ikkagi lühikesi balletistseene dekoratsiooni või kostüümi vahetamiseks. Võib-olla kuulsaim näide balletimuusikast ooperi osana on Amilcare Ponchielli ooperist La Gioconda (1876) pärit tundide tants.
    Põhimõtteline meeleolumuutus toimus Igor Stravinski balleti "Kevadriitus" (1913) loomisel.

Muusika oli ekspressionistlik ja ebakõlaline ning liigutused väga stiliseeritud. 1924. aastal kirjutas George Antheil teose Ballet Mechanica. See sobis liikuvate objektide filmile, kuid mitte tantsijatele, kuigi see oli uuenduslik džässmuusika kasutamisel. Sellega alguspunkt Balletimuusika jaguneb kaheks suunaks – modernism ja jazztants. George Gershwin püüdis seda tühimikku täita oma ambitsioonika partituuriga Shall We Dance'ile (1937), mis on rohkem kui tund aega kestnud muusikat, mis hõlmas tserebraalset ja tehniliselt jazzi ja rumbat. Üks stseenidest komponeeriti spetsiaalselt baleriin Harriet Hoctorile.
Paljud ütlevad, et jazztantsu esindab kõige paremini koreograaf Jerome Robbins, kes töötas koos Leonard Bernsteiniga filmis West Side Story (1957). Mõnes mõttes on see tagasipöördumine "ooper-balleti" juurde, kuna süžeed räägitakse peamiselt sõnadega. Modernismi esindab kõige paremini Sergei Prokofjev balletis "Romeo ja Julia". See on näide puhtast balletist ja seal on ei mingit mõju džässist ega muust levimuusikast.Teine suund balletimuusika ajaloos on kalduvus vana muusika loomingulisele kohandamisele Ottorino Respighi kohandas Gioachino Rossini (1792-1868) teoseid ja nende ühissarja balletis nn. 1919. aastal esietendunud "The Magic Shop". Balletipublik eelistab romantilist muusikat, nii et uued balletid ühendatakse vanade teostega läbi uue koreograafia. Kuulus näide on "The Dream" - Felix Mendelssohni muusika, kohandatud John Lanchbury poolt.

Balletiheliloojad

IN XIX algus sajandil lavastasid koreograafid etendusi kogutud muusikale, mis enamasti koosnes populaarsetest ja tuntud ooperifragmentidest ja laulumeloodiatest. Esimene, kes üritas olemasolevat praktikat muuta, oli helilooja Jean-Madeleine Schneizhoffer. Selle eest langes talle märkimisväärne kriitika, alates esimesest teosest, balletist “Proserpina” (1818):

Muusika kuulub noor mees, mis avamängu ja mõne balleti motiivi järgi otsustades väärib julgustust. Kuid usun kindlalt (ja kogemus toetab minu arvamust), et olukordadesse oskuslikult valitud motiivid teenivad alati paremini koreograafi kavatsusi ja paljastavad tema kavatsuse selgemalt kui peaaegu täiesti uus muusika, mis pantomiimi seletamise asemel ise selgitust ootab.

Vaatamata kriitikute rünnakutele hakkasid teised heliloojad Schneitzhofferit järgides eemalduma traditsioonist luua balletipartituure, mis olid kokku pandud muusikafragmentidest teiste kuulsate (enamasti ooperiteoste) - Ferdinand Heroldi, Fromental Halévy ja ennekõike - motiividel. - ja siis viljakalt, kes Marius Petipaga koos töötas, järgis partituuride loomisel rangelt koreograafi juhiseid ja kava - kuni taktide arvuni igas numbris. Saint-Leoni puhul tuli tal kasutada isegi koreograafi määratud meloodiaid: Karl Waltzi memuaaride järgi vilistas Saint-Leon, kes oli ise viiuldaja ja muusik, rohkem kui korra Minkusele lugusid, mida ta "palavikuliselt tõlkis". noodikirjadesse."

See praktika ei vastanud sama Schneitzhoferi põhimõtetele, kes hindas oma mainet iseseisva autorina ja töötas partituuride loomisel alati koreograafist eraldi (erand tehti vaid balletti La Sylphide koos loomisel).

16. sajandil on see kaugele jõudnud ja praeguseks muutunud populaarseks kogu maailmas. Arvukad balletikoolid ja teatritrupid, mille arv kasvab iga aastaga, on nii klassikalisi kui ka kaasaegseid.

Aga kui kuulsaid showballette on kümneid ja tegelikult erinevad nad teistest tantsukollektiividest vaid oskuste taseme poolest, siis võib sajanditepikkuse ajalooga rahvusballetiteatreid ühel käel üles lugeda.

Vene ballett: Suured ja Mariinski teatrid

Sinul ja minul on mille üle uhkust tunda, sest vene ballett on üks maailma parimaid. “Luikede järv”, “Pähklipureja”, kuulsad plastballetid, mis meie riigis ilmusid 20. sajandi alguses, muutsid Venemaa selle kunsti teiseks kodumaaks ja pakkusid meie teatritele lõputu voogu tänulikke vaatajaid kõikjalt üle maailma. maailmas.

Tänapäeval võistlevad parima tiitli nimel Suure ja Mariinski teatri trupid, kelle oskused paranevad iga päevaga. Mõlemad trupid valivad tantsijad välja Peterburi Vaganova Akadeemia tudengite hulgast ning esimestest koolituspäevadest peale unistavad kõik selle õpilased, et ühel päeval esineksid ka soolopartiid riigi pealaval.

Prantsuse ballett: Grand Opera

Maailmaballeti häll, mille suhtumine etendustesse on olnud kolm sajandit muutumatu ja kus eksisteerib ainult klassikaline akadeemiline tants ning kõike muud peetakse kunstivastaseks kuriteoks, on kõigi maailma tantsijate ülim unistus.

Igal aastal täieneb selle koosseis vaid kolme tantsijaga, kes on läbinud rohkem valikuid, võistlusi ja teste, kui astronaudid unistadagi oskavad. Pariisi ooperi piletid pole odavad ja neid saavad endale lubada vaid jõukamad kunstigurmaanid, kuid saal on igal etendusel täis, sest lisaks prantslastele endile tulevad siia kõik eurooplased, kes unistavad klassikalise balleti imetlemisest.

Ameerika Ühendriigid: Ameerika balletiteater

Filmi Black Swan ilmumisega kuulsaks saanud American Ballet Theater asutas Vene Suure Teatri solist.

Oma kooli omav ballett ei palka tantsijaid väljastpoolt ja on omapärase vene-ameerika stiiliga. Lavastused ühendavad klassikalised teemad, nagu kuulus “Pähklipureja”, ja uued tantsustiilid. Paljud balletigurmaanid väidavad, et ABT on kaanonid unustanud, kuid selle teatri populaarsus kasvab iga aastaga.

Suurbritannia: Birminghami kuninglik ballett

Kuninganna enda juhendatavas Londoni balletis on vähe tantsijaid, kuid see eristub range osalejate valiku ja repertuaari poolest. Siit ei leia moodsaid trende ega žanrilisi kõrvalekaldeid. Võib-olla just seetõttu lahkuvad paljud selle balleti noored staarid, kes ei suuda karmidele traditsioonidele vastu seista, selle ja hakkavad looma oma truppe.

Kuningliku balleti etendusele ei ole lihtne pääseda, selle võimaluse saavad ainult maailma kuulsamad ja rikkamad inimesed, kuid kord kolme kuu jooksul korraldatakse siin avatud sissepääsuga heategevusõhtuid.

Austria ballett: Viini ooper

Viini ooperi ajalugu ulatub pooleteise sajandi taha ja kogu selle aja on trupi esimesteks solistideks jäänud vene tantsijad. Viini ooper, mis on tuntud oma iga-aastaste ballide poolest, mida peeti ainult II maailmasõja ajal, on Austria enim külastatud vaatamisväärsus. Siia tullakse nii andekaid tantsijaid imetlema kui kaasmaalasi laval vaatama ja oma emakeelt uhkusega rääkima.

Siit on pileteid väga lihtne hankida: tänu tohutule saalile ja edasimüüjate puudumisele saab seda teha balletipäeval, erandiks on vaid esietenduste ja hooaja avamise päevad.

Seega, kui soovite näha klassikalist balletti kõige andekamate tantsijate esituses, minge mõnda neist teatritest ja nautige iidset kunsti.

Mida iganes öelda, ei saa mööda vaadata vene helilooja kuulsast meistriteosest neljas vaatuses, tänu millele jäi kunstigurmaanide silmis jäädvustama saksa legend kaunist luigetüdrukust. Süžee järgi reedab luigekuningannasse armunud prints ta, kuid isegi vea mõistmine ei päästa ei teda ega tema armastatut raevukatest elementidest.

Peategelase Odette’i kuvand näib täiendavat helilooja elu jooksul loodud naissümbolite galeriid. Tähelepanuväärne on, et balleti süžee autor on endiselt teadmata ja libretistide nimesid pole kunagi ühelgi plakatil ilmunud. Esimest korda esitleti balletti 1877. aastal Suure Teatri laval, kuid esimest versiooni peeti ebaõnnestunuks. Tuntuim lavastus on Petipa-Ivanovi lavastus, millest sai kõigi järgnevate etenduste standard.

Maailma parimad balletid: Tšaikovski “Pähklipureja”.

Aastavahetusel populaarne lasteballett “Pähklipureja” toodi esmakordselt avalikkuse ette 1892. aastal kuulsa Mariinski teatri laval. Selle süžee põhineb Hoffmanni muinasjutul “Pähklipureja ja hiirekuningas”. Põlvkondade võitlus, hea ja kurja vastasseis, maski taga peituv tarkus - muinasjutu sügav filosoofiline tähendus on riietatud helgetesse muusikapiltidesse, mis on arusaadavad ka kõige väiksemale vaatajale.

Tegevus toimub talvel, jõululaupäeval, mil kõik soovid võivad täituda – ja see annab maagilisele loole lisa võlu. Selles muinasjutus on kõik võimalik: hellitatud soovid täituvad, silmakirjalikkuse maskid langevad ja ebaõiglus saab kindlasti jagu.

************************************************************************

Maailma parimad balletid: Adana “Giselle”.

“Armastus, mis on tugevam kui surm” on ehk kõige täpsem kirjeldus kuulsast balletist neljas vaatuses “Giselle”. Lugu tulihingelisest armastusest surevast tüdrukust, kes andis oma südame teise pruudiga kihlatud õilsale noormehele, on nii elavalt edasi antud sihvakate wilide – enne pulmi surnud pruutide – graatsilises pasas.

Ballett saatis oma esimesest lavastusest 1841. aastal tohutu edu ning 18 aasta jooksul esitati Pariisi ooperi laval kuulsa prantsuse helilooja teost 150 teatrietendust. See lugu köitis nii kunstigurmaanide südameid, et loo peategelase järgi nimetati isegi vabaõhuhoone. XIX lõpus sajandi asteroid. Ja tänapäeval on meie kaasaegsed hoolitsenud selle eest, et klassikalise lavastuse filmiversioonides säiliks üks suurimaid klassikalise teose pärleid.

************************************************************************

Maailma parimad balletid: Minkuse “Don Quijote”.

Suurte rüütlite ajastu on ammu möödas, kuid see ei takista sugugi kaasaegsetel noortel daamidel unistamast kohtumisest 21. sajandi Don Quijotega. Ballett annab täpselt edasi kõik detailid Hispaania elanike folkloorist; ja paljud meistrid püüdsid õilsa rüütelkonna lugu sisse tuua kaasaegne tõlgendus, kuid just klassikaline lavastus on Vene lava kaunistanud juba sada kolmkümmend aastat.

Koreograaf Marius Petipa suutis rahvuslike tantsude elementide abil osavalt tantsus kehastada kogu Hispaania kultuuri hõngu ning mõned žestid ja poosid viitavad otseselt süžee arenemiskohale. Lugu pole kaotanud oma tähtsust ka tänapäeval: isegi 21. sajandil inspireerib Don Quijote osavalt sooja südamega noori, kes on võimelised headuse ja õigluse nimel meeleheitlikult tegutsema.

************************************************************************

Maailma parimad balletid: Prokofjevi Romeo ja Julia

Surematu lugu kahest armastavast südamest, mis ühinevad alles pärast surma igaveseks, kehastub laval tänu Prokofjevi muusikale. Lavastus toimus vahetult enne Teist maailmasõda ja siin tuleb avaldada austust pühendunud käsitöölistele, kes seisid vastu tol ajal harjumuspärasele korrale, mis valitses ka stalinistliku riigi loomingulises sfääris: helilooja säilitas 2010. aasta ajaloo traditsioonilise traagilise lõpu. süžee.

Pärast esimest suurt edu, mis andis näidendile Stalini preemia, oli versioone palju, kuid sõna otseses mõttes 2008. aastal toimus New Yorgis traditsiooniline 1935. aasta lavastus koos õnneliku lõpuga kuulsale loole, mis oli avalikkusele seni tundmatu. .

************************************************************************

Nautige vaatamist!

Aleksander Nikolajevitš Skrjabin Aleksander Nikolajevitš Skrjabin on vene helilooja ja pianist, üks Venemaa ja maailma muusikakultuuri eredamaid isiksusi. Skrjabini originaalne ja sügavalt poeetiline loovus paistis silma uuenduslikkuse poolest isegi paljude uute kunstisuundade sünni taustal, mis on seotud muutustega avalikku elu 20. sajandi vahetusel.
Moskvas sündinud ema suri varakult, isa ei saanud pojale tähelepanu pöörata, kuna ta oli Pärsias suursaadik. Skrjabinit kasvatasid tema tädi ja vanaisa ning ta näitas lapsepõlvest peale muusikalist annet. Alguses õppisin kl kadettide korpus, võttis klaveri eratunde, pärast korpuse lõpetamist astus Moskva konservatooriumi, klassivend oli S. V. Rahmaninov. Pärast konservatooriumi lõpetamist pühendus Skrjabin täielikult muusikale – kontsertpianisti-heliloojana tuuritas ta Euroopas ja Venemaal, veetes suurema osa ajast välismaal.
Skrjabini kompositsiooniloomingu kõrgaeg oli aastad 1903-1908, mil sündisid Kolmas sümfoonia ("Jumalik poeem"), sümfooniline "Ekstaasi poeem", "Traagilised" ja "Saatanlikud" klaveripoeemid, 4. ja 5. sonaat ja muud teosed. vabastatud. Mitmest teemapildist koosnev "Ecstasy poeem" koondas Srjabini loomingulisi ideid ja on tema särav meistriteos. Selles on harmooniliselt ühendatud helilooja armastus suure orkestri jõu ja soolopillide lüürilise õhulise kõlaga. “Ekstaasi poeemi” kehastav kolossaalne eluenergia, tuline kirg ja tahtejõuline jõud jätab kuulajale vastupandamatu mulje ja säilitab oma mõjujõu tänaseni.
Teine Skrjabini meistriteos on "Prometheus" ("Tule poeem"), milles autor uuendas täielikult oma harmoonilist keelt, väljudes traditsioonilisest toonisüsteemist ja esimest korda ajaloos pidi seda teost saatma värvimuusika. , kuid esilinastus toimus tehnilistel põhjustel ilma valgusefektideta.
Viimane lõpetamata “Müsteerium” oli unistaja, romantiku, filosoofi Skrjabini plaan kutsuda kogu inimkonda ja inspireerida looma uut fantastilist maailmakorda, Universaalse Vaimu liitu mateeriaga.
A. N. Skrjabin "Prometheus"

Sergei Vasilievitš RahmaninovSergei Vasilievitš Rahmaninov on 20. sajandi alguse maailma suurim helilooja, andekas pianist ja dirigent. Helilooja Rahmaninovi loomingulist kuvandit määratleb sageli epiteed "kõige venelikum helilooja", rõhutades selles lühikeses sõnastuses tema teeneid Moskva ja Peterburi kompositsioonikoolide muusikatraditsioonide ühendamisel ja oma ainulaadse stiili loomisel. mis paistab silma maailma muusikakultuuris.
Sündis Novgorodi kubermangus ja asus nelja-aastaselt ema juhendamisel muusikat õppima. Ta õppis Peterburi konservatooriumis, pärast 3-aastast õppimist läks üle Moskva konservatooriumi ja lõpetas selle suure kuldmedaliga. Ta sai kiiresti tuntuks dirigendi ja pianistina ning komponeeris muusikat. Uuendusliku Esimese sümfoonia (1897) katastroofiline esiettekanne Peterburis põhjustas loomingulise helilooja kriisi, millest 1900. aastate alguses väljus Rahmaninov küpse stiiliga, mis ühendas vene kirikulaulu, väljuva euroopaliku romantismi, kaasaegse impressionismi ja neoklassitsismi – kõik täiega. keerulisest sümboolikast. Sellel loomeperioodil sündisid tema parimad tööd, koos

mob_info